“Cuanto más se conozca el tema de la música, más grande será el goce al escucharla. Si se quiere entenderla mejor, lo más importante que se puede hacer es escucharla”.
Son apreciaciones del compositor orquestal y de cine norteamericano Aaron Copland, escritor y docente en temas de apreciación musical, desde la óptica del compositor como la de oyente.
Es interesante entender que la música académica se clasifica históricamente en los siguientes períodos:
Música de la antigüedad. Corresponde a la música compuesta antes del año 476, cuando sucede la caída del imperio romano. Con el ascenso de la Iglesia Católica como religión oficial, la música religiosa adquiere un papel especial.
Música medieval. Este período corresponde hasta el año 1450, época del renacimiento. Inicialmente se destaca el canto monofónico, también llamado canto llano o canto “gregoriano”, interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso han gozado siempre de gran popularidad como música cristiana hasta nuestros días, por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico. Sobre al año 1100 arranca la melodía a varias voces, llamada específicamente música polifónica.
Música renacentista. Entre 1450 y 1600, se caracteriza por un mayor uso de instrumentos y dentro de esta instrumentación más compleja, la inclusión de instrumentos graves o bajos, permitiendo entonces múltiples líneas melódicas. Se destaca en este período la “viola da gamba”, mezcla entre guitarra y violonchelo, popularmente llamada viola de piernas, con variados tamaños y estilos.
Música barroca. Entre los años 1600 y 1750. Caracterizada por el uso de tonalidades más complejas, donde se refina la estructura y los adornos interpretativos de la música. Hay una creciente popularización de los instrumentos de teclado como el clavicémbalo y el órgano y las violas da gamba son reemplazadas por los instrumentos de la familia del violín, con sonidos potentes aptos para salones con grandes presentaciones. Se destacan entre otros Bach, Haendel, Vivaldi y Monteverdi. Es también en esta época donde se afianza y populariza la ópera como forma y genero musical.
Música clásica. Entre 1730 y 1815. Importante este período por el establecimiento de variadas normas y convenciones en la composición, presentación y estilo. Desaparece el clavicémbalo y el clavicordio en favor del piano, cuyo nombre completo es “piano forte”. A partir de ese momento se convierte en el instrumento predominante para la interpretación en teclado y composición. Músicos destacables de esta era son Beethoven, Mozart, Haydn y Clementi.
Música romántica. Corresponde al período entre 1815 y 1910. En este lapso de tiempo se definieron con precisión los cánones y técnicas de interpretación, expandiendo la música en la vida cultural y se crean y formalizan instituciones para la enseñanza, ejecución y conservaciones de las obras musicales, extendiéndola por toda Europa. Los compositores como Schubert, Rossini, Liszt, Mendelson, Chopin, Verdi y Wagner entre muchos, emplearon la emoción, los sentimientos y la intuición para expresar las verdades más profundas en sus obras. Para los amantes del violín surge el mayor prodigio de todos los tiempos, Niccolo Paganini, violinista “poseído por fuerzas humanas” para algunos, por su extraordinaria habilidad interpretativa.
Música moderna. Llamada también post-romántica. Entre los años 1905 y 1985. Representa un período con crisis en los valores de la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, la extensión de la teoría y la técnica y la tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y la ciencia. Se destacan Stravinsky, Berg y Bartok. Música contemporánea. Describe la música compuesta desde los últimos años del siglo XX, hasta el presente.
Aunque la buena música nunca pasa de moda, el público en general se inclina por la correspondiente a los períodos barroco y romántico, por su accesibilidad, variabilidad y audición especialmente agradable para muchos.
Un poco de todo y historia de la musica,
domingo 23 de octubre de 2011
¡Escuchemos música clásica…!! Un poco de historia…
“Cuanto más se conozca el tema de la música, más grande será el goce al escucharla. Si se quiere entenderla mejor, lo más importante que se puede hacer es escucharla”.
Son apreciaciones del compositor orquestal y de cine norteamericano Aaron Copland, escritor y docente en temas de apreciación musical, desde la óptica del compositor como la de oyente.
Es interesante entender que la música académica se clasifica históricamente en los siguientes períodos:
Música de la antigüedad. Corresponde a la música compuesta antes del año 476, cuando sucede la caída del imperio romano. Con el ascenso de la Iglesia Católica como religión oficial, la música religiosa adquiere un papel especial.
Música medieval. Este período corresponde hasta el año 1450, época del renacimiento. Inicialmente se destaca el canto monofónico, también llamado canto llano o canto “gregoriano”, interpretados tradicionalmente por monjes, que incluso han gozado siempre de gran popularidad como música cristiana hasta nuestros días, por sus cautivantes y repetitivas melodías que inspiran un aire místico. Sobre al año 1100 arranca la melodía a varias voces, llamada específicamente música polifónica.
Música renacentista. Entre 1450 y 1600, se caracteriza por un mayor uso de instrumentos y dentro de esta instrumentación más compleja, la inclusión de instrumentos graves o bajos, permitiendo entonces múltiples líneas melódicas. Se destaca en este período la “viola da gamba”, mezcla entre guitarra y violonchelo, popularmente llamada viola de piernas, con variados tamaños y estilos.
Música barroca. Entre los años 1600 y 1750. Caracterizada por el uso de tonalidades más complejas, donde se refina la estructura y los adornos interpretativos de la música. Hay una creciente popularización de los instrumentos de teclado como el clavicémbalo y el órgano y las violas da gamba son reemplazadas por los instrumentos de la familia del violín, con sonidos potentes aptos para salones con grandes presentaciones. Se destacan entre otros Bach, Haendel, Vivaldi y Monteverdi. Es también en esta época donde se afianza y populariza la ópera como forma y genero musical.
Música clásica. Entre 1730 y 1815. Importante este período por el establecimiento de variadas normas y convenciones en la composición, presentación y estilo. Desaparece el clavicémbalo y el clavicordio en favor del piano, cuyo nombre completo es “piano forte”. A partir de ese momento se convierte en el instrumento predominante para la interpretación en teclado y composición. Músicos destacables de esta era son Beethoven, Mozart, Haydn y Clementi.
Música romántica. Corresponde al período entre 1815 y 1910. En este lapso de tiempo se definieron con precisión los cánones y técnicas de interpretación, expandiendo la música en la vida cultural y se crean y formalizan instituciones para la enseñanza, ejecución y conservaciones de las obras musicales, extendiéndola por toda Europa. Los compositores como Schubert, Rossini, Liszt, Mendelson, Chopin, Verdi y Wagner entre muchos, emplearon la emoción, los sentimientos y la intuición para expresar las verdades más profundas en sus obras. Para los amantes del violín surge el mayor prodigio de todos los tiempos, Niccolo Paganini, violinista “poseído por fuerzas humanas” para algunos, por su extraordinaria habilidad interpretativa.
Música moderna. Llamada también post-romántica. Entre los años 1905 y 1985. Representa un período con crisis en los valores de la música clásica y su rol dentro de la vida intelectual, la extensión de la teoría y la técnica y la tendencia global caracterizada por la fe en el progreso y la ciencia. Se destacan Stravinsky, Berg y Bartok. Música contemporánea. Describe la música compuesta desde los últimos años del siglo XX, hasta el presente.
Aunque la buena música nunca pasa de moda, el público en general se inclina por la correspondiente a los períodos barroco y romántico, por su accesibilidad, variabilidad y audición especialmente agradable para muchos.
sábado 27 de agosto de 2011
EL ROMANTICISMO (EL nacionalismo)
EL NACIONALISMO RUSO
El movimiento nacionalista más
poderoso tuvo lugar en Rusia, el iniciador del mismo fue Mijail Glinka, conocido
como "el padre de la música rusa", que destaca sobretodo por su ópera "Una vida
por el zar". Más tarde surgió un grupo de compositores conocido como "El grupo
de los cinco", que seguirán la tradición iniciada por Glinka. Estos músicos
fueron M. Balakirev, A. Borodin, C. Cui, M. Mussorgsky 
y N.
Rimsky-Korsakov.
y N.
Rimsky-Korsakov.
Aunque no fueron músicos
profesionales, su música es de una alta calidad. En ella evocan la historia rusa
y los giros peculiares de la música autóctona; emplean temas tradicionales como
fuente de inspiración y otros recursos de su folclore (ritmos, antiguas escalas,
instrumentos,...).
Entre los cinco destaca Modest
Mussorgsky, músico incomprendido pero de grandes cualidades. Su ópera "Boris
Godunov" es una de las obras maestras del repertorio operístico internacional;
otra de sus obras más importantes lleva por título "Los cuadros de una
exposición".
EL NACIONALISMO ESCANDINAVO
Destacan sobretodo dos
autores nacionalistas: Edvard Grieg y Jan Sibelius.
El noruego E. Grieg había estudiado
en Alemania, pero cuando volvió a su país comenzó a fijarse en el folclore,
dedicándose a recoger canciones y danzas populares. Esta fuente de inspiración
dio como resultado obras muy personales que, en algunos aspectos, anticipan
ciertos rasgos de corrientes musicales posteriores como el Impresionismo. Su
obra más conocida es la suite "Peer Gynt", ambientada en Noruega.
El finlandés J. Sibelius también estudió en Alemania, pero
como Grieg, decidió seguir su propio rumbo. Enamorado del paisaje y las leyendas
de su tierra, compuso varios poemas sinfónicos, uno de los cuales, "Tapiola", es
el retrato de los interminables bosques finlandeses.
EL NACIONALISMO BOHEMIO
A finales del siglo XIX, Bohemia
(en la actualidad, República Checa) conoció un periodo de gran riqueza musical.
Esta región había sido absorbida por el imperio austrohúngaro y dominada por la
cultura alemana; sin embargo, hacia mediados del siglo XIX se creará la "Escuela
de música checa", que acogerá la idea del nacionalismo musical de manera
activa.
El gran iniciador de esta escuela
nacionalista fue Bedrich Smetana, que compone entre otras obras seis poemas
sinfónicos agrupados bajo el título de "Mi patria" en los que describe los
paisajes de su tierra.
El gran continuador de la obra de
Smetana es Antonin Dvorak, muy influido por los románticos alemanes, que
utilizará sin embargo melodías y ritmos populares con un carácter nacional
indiscutible. De entre las nueve sinfonías que escribió destaca "La sinfonía del
nuevo mundo".
EL NACIONALISMO HUNGARO
El interés por la cultura
tradicional musical se extendió por toda Europa hasta bien entrado el siglo XX.
A los rusos y escandinavos se sumarán después otros países como Hungría. Los
compositores húngaros más importantes son Bela Bartók y Zoltán Kodály, que se
convertirán en investigadores y recopiladores del folclore de su país,
ejerciendo la función de etnomusicólogos. 
Durante muchos años recorrieron en
compañía no sólo su país, sino también Rumania y Eslovaquia, tomando notas y
grabando registros fonográficos de todos los cantos que oían, que más tarde se
ocuparían de publicar y difundir.
Además, sus estudios se extendieron
a la pedagogía musical, creando sistemas y obras para la iniciación de los más
jóvenes en la música. Así por ejemplo, Kodály diseñó un método propio para el
aprendizaje de la música, basado en el canto coral de melodías populares. De la
misma forma, creó un sistema para el aprendizaje de las notas basado en la
posición de la mano.
EL NACIONALISMO ESPAÑOL
El nacionalismo en España
es un movimiento tardío. Aunque la zarzuela de mediados de siglo supone una
primera conciencia nacional como respuesta a la influencia de la ópera italiana,
no será hasta casi comienzos del siglo XX cuando surja una verdadera corriente
nacionalista. El promotor y padre del nacionalismo musical español fue el
catalán Felipe Pedrell, que recogió gran cantidad de material tradicional y
folclórico utilizando tan sólo un lápiz y un papel pautado.
Las teorías nacionalistas de
Pedrell serán llevadas a cabo por sus discípulos, entre los que cabe destacar a
Isaac Albéniz, autor de la suite para piano "Iberia" o Enrique Granados, creador
de obras como "Danzas españolas" y "Goyescas", estas últimas inspiradas en las
pinturas de Goya.
Pero sin duda, la gran figura del nacionalismo español es Manuel de Falla, que
obtuvo grandes éxitos internacionales y supo conjugar a la perfección los
elementos folclóricos y tradicionales con las tendencias vanguardistas del
momento. Entre sus obras destacan el ballet "El amor brujo", conciertos como
"Noches en los jardines de España", obras para piano como "La sinfonía bética" y
óperas como "La vida breve".
OTROS NACIONALISMOS
Además de los países ya
mencionados, el nacionalismo se extenderá por toda Europa y atravesará el
Atlántico hasta llegar al nuevo continente. Así, dentro del nacionalismo aparece
con personalidad propia la figura del norteamericano George Gershwin, quien basa
su música en la explotación del jazz. Crea una ópera titulada "Porgy and Bess",
inspirada rítmica y melódicamente en la música de jazz. Otras obras importantes
de este autor son "Rapsody in blue" y "Un americano en París".
A Hispanoamérica también llegará la
corriente nacionalista. El compositor más representativo es el brasileño Heitor
Villalobos, que destacará en sus obras para guitarra.
EL ROMANTICISMO(El Nacionalismo musical)
introducción: A lo largo del siglo XIX, Europa vivió un agitado periodo nacionalista en el que
muchos pueblos defendieron el derecho a su autonomía, amparándose en la lengua o
en razones de tipo histórico. Este movimiento político nacionalista se hizo
patente con la independencia de Grecia y Bélgica y las unificaciones de Alemania
e Italia.
Este fenómeno tuvo repercusión
también en el campo de la música, donde se desencadenó un movimiento que volvió
su mirada hacia la tradición y buscó materiales musicales en el folclore de cada
territorio. El Nacionalismo tuvo importancia en países que habían estado
sometidos a gustos musicales extranjeros, como Rusia, Bohemia, los Países
Escandinavos, Hungría o España entre otros. Los compositores de estas naciones
reivindican la música popular de sus patrias y sienten el afán de enseñarla al
mundo como algo propio.
Muchos de los compositores
románticos anteriores ya utilizan o se inspiran en fuentes propias de su
folclore; es el caso de Chopin con sus polonesas y mazurcas, o de Liszt con sus
rapsodias húngaras. Sin embargo, es a partir de las revoluciones europeas de
1948 cuando se desarrollan plenamente los nacionalismos, en los que cada país
busca resaltar su identidad rescatando su tradición cultural y
folclórica.
Este movimiento se caracteriza
además por:
-
Elección de temas nacionales para óperas y poemas sinfónicos.
-
Interés por el folclore y las tradiciones de cada país, lo que conduce a la recopilación, estudio y clasificación de canciones populares. Nace así la etnomusicología.
-
Aparición de estilos nuevos al añadir al lenguaje musical romántico elementos melódicos, rítmicos y estructurales propios de las tradiciones locales. Con frecuencia se introducen melodías folclóricas en las composiciones.
El nacionalismo musical sirve de
puente entre el siglo XIX y el XX, ya que en muchos países se prolonga
conviviendo con otros movimientos musicales contemporáneos.
EL ROMANTICISMO (El post Romanticismo)
EL POST-ROMANTICISMO
La etapa nacionalista coincide en
el tiempo con los últimos coletazos del Romanticismo, que se produjeron
sobretodo en Alemania. A este movimiento se le conoce con el nombre de
Post-Romanticismo, que tanto en el ámbito expresivo como en el técnico
constituye una prolongación del lenguaje romántico.
Los autores post-románticos buscan
llevar hasta el límite la exaltación de la individualidad y los estados anímicos
personales. El resultado es un sonido amplio y, a menudo, grandioso, que se
logra mediante orquestas muy numerosas y una rica y variada utilización de los
instrumentos.
Entre los compositores más
destacados del post-romanticismo podemos nombrar a Gustav Mahler (Sinfonía nº 1
"Titán"), Richard Strauss (Así hablaba Zaratustra) y Sergei Rachmaninov
(Sinfonía nº 1 en re menor). Todos los artistas post-románticos se verán muy
influidos por la obra de R.Wagner y tendrán a su vez influencia en las primeras
corrientes vanguardistas.
EL ROMANTICISMO (La danza)
LA DANZA EN EL SIGLO XIX
Durante el siglo XIX la técnica
del ballet clásico del siglo anterior encontró su definitiva formulación. A
principios del Romanticismo, algunos maestros franceses se instalaron en Rusia y
crearon una escuela clásica de ballets rusos , cuyo prestigio e importancia se
han mantenido hasta la actualidad. Esta restauración está relacionada con la
llegada a San Petersburgo del bailarín y coreógrafo Marius Petipá.Hasta ese momento, muchos de los ballets estaban constituidos y organizados a partir de la yuxtaposición de diferentes escenas, que en la mayoría de los casos no guardaba ninguna relación entre sí. Una de las grandes aportaciones de los ballets rusos fue la de poner en escena una historia coherente con diferentes temáticas, tanto dramáticas como cómicas.
María Taglioni se convertirá en la gran bailarina del siglo, participando en los estrenos de los ballets de los principales compositores. Esta bailarina fue la primera que se puso de puntillas a la hora de realizar sus danzas en el escenario. Con este gesto se conseguía cierto sentido de ingravidez, convirtiendo a la bailarina en un ser etéreo. Entre los bailarines destacados se encuentra el ruso V. Nijinski.
Entre los compositores más famosos de ballet ruso tenemos que destacar a P. I. Tchaikovsky que dio un gran impulso a este género con obras como "El cascanueces", "La bella durmiente" o "El lago de los cisnes".
jueves 9 de junio de 2011
EL ROMANTICISMO (Musica instrumental)
EL LIED
Se trata de un género menor (de poca duración) que se convirtió en una de las principales formas vocales de la música romántica ya que normalmente era compuesta para el disfrute en veladas musicales íntimas. El lied (lieder en plural) es una denominación alemana que significa canción. Es una forma breve escrita para voz y piano sobre un texto poético ya existente. Su principal característica es la fusión entre el texto y la música. El lied era muy apreciado por el público porque en los conciertos creaba una atmósfera íntima propiciada por la belleza y expresividad de sus melodías. El piano se ponía al servicio de la melodía del cantante. Existen varios tipos de lied, siendo el más frecuente el estrófico, caracterizado por repetir la misma música en todas las estrofas (A-A-A,..). También es común la forma bipartita de dos secciones que se van repitiendo (A-A-B-B) y la forma tripartita en la que la tercera parte era repetición de la primera (A-B-A) Entre los compositores más destacados de lieder hay que citar a F. Schubert, que a lo largo de su vida realizó más de 600. Más tarde cultivarán esta forma otros autores como Hugo Wolf o Gustav Mahler.
LA MÚSICA DE CÁMARA
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.
LA MÚSICA PARA ORQUESTA
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias. No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida extraordinaria.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:
LA MÚSICA DE PIANO
El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la música.
A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento del artista desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de este género fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. Entre los compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R. Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.
LA MÚSICA PROGRAMÁTICA
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.
LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar de basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.
EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.
La música de cámara en el Romanticismo alcanzó su máximo desarrollo, debido, en gran parte, a que se hizo accesible a la burguesía y a la constante demanda de obras para interpretar en familia o entre amigos.
A lo largo del siglo XIX, la mayoría de los compositores escribió obras de cámara, desde dúos (para dos instrumentos, como por ejemplo el piano y la flauta), tríos (piano, violín y violonchelo),...hasta nonetos (nueve instrumentos de cuerda y viento); sin olvidar el cuarteto de cuerda típico del Clasicismo (dos violines, una viola y un violonchelo), que siguió ocupando un lugar destacado en esta época.
Muchas de estas obras eran sencillas y así las podían interpretar grupos de aficionados en las reuniones íntimas que realizaban en sus propias casas.
La orquesta del siglo XIX se convirtió en la gran protagonista de la época. Casi todos los compositores escribieron obras musicales para este tipo de formación.
La orquesta romántica, denominada orquesta sinfónica, estaba integrada por un número de intérpretes que solía oscilar entre los 60 y 75 instrumentos de las tres familias. No es extraño, sin embargo, encontrar a finales de siglo obras que requerían 100 o más músicos. Los mecanismos técnicos de los instrumentos de viento se perfeccionaron y los compositores comenzaron a considerarlos tan importantes como los de cuerda.
Debido a la constante demanda de conciertos públicos el número de orquestas se multiplicó por toda Europa, hasta el punto de que las grandes ciudades contaban con varias orquestas sinfónicas que realizaban giras por toda Europa con una acogida extraordinaria.
Las tres grandes formas de orquesta que se van a dar en el Romanticismo fueron:
El piano, era el instrumento preferido de los compositores románticos y de muchos de los amantes de la música de ese periodo. Ello era debido a las siguientes razones:
La burguesía accedía, en gran medida, a la práctica y los conocimientos musicales. Era frecuente que en los hogares de las familias con cierta cultura hubiese un piano puesto que era sinónimo de elegancia y poder. Los familiares solían reunirse para interpretar música o para celebrar tertulias en torno a él.
Por ser un instrumento armónico, tenía la posibilidad de tocar varias notas a la vez y esto le permitía interpretar reducciones de obras de orquesta, coro o cámara.
Muy pronto, por sus cualidades sonoras y técnicas, los románticos vieron en el piano un medio de comunicación ideal para expresar sus pasiones y sus sentimientos mediante la música.
A lo largo del Romanticismo coexistieron dos tendencias en la interpretación pianística:
Virtuosismo: Se trata de explotar al máximo las posibilidades técnicas del instrumento. Solían ser obras de larga duración que buscaban ante todo el lucimiento del artista desarrollando plenamente el colorido sonoro del instrumento. Se trata generalmente de piezas de difícil ejecución. Algunas de estas formas son los estudios (piezas para desarrollar una determinada técnica), sonatas (mucho más libres formalmente que las del Clasicismo), variaciones (en las que la improvisación jugaba un papel protagonista),...; algunos de los compositores más representativos de este género fueron F. Liszt, reconocido por algunos como el mejor pianista de la época, o F. Chopin, que también abordará el piano lírico.
Lirismo: Los compositores no buscan la complejidad, sino expresar estados de ánimo o sensaciones en obras muy poéticas. Suelen ser obras cortas y en apariencia sencillas de ejecución, que transmitían el verdadero carácter romántico de la época. Entre los compositores más destacados de este género podemos hablar de F. Chopin o de R. Schumann que crearon piezas que se denominaron momentos musicales, escenas de niños, baladas, nocturnos,...
Algunos compositores, promovidos por el espíritu nacionalista, realizaron obras en las que recurrían a danzas o temas populares de sus territorios como los valses, las polonesas o las mazurcas.
La búsqueda de músicas más libres y abiertas, y en definitiva más adecuadas para la expresión romántica, dará lugar al desarrollo de la música programática o descriptiva, que ya no se construye a partir de criterios formales sino de criterios extramusicales (novelas, historias,...).
Ya sabemos que el hecho de utilizar la música como lenguaje descriptivo no es una novedad (recordemos "Las cuatro estaciones" de Vivaldi), sin embargo, es ahora cuando surge como género nuevo capaz de materializar ese poder de la música. Nacen así dos nuevas formas de música programática: la sinfonía programática y el poema sinfónico.
LA SINFONÍA PROGRAMÁTICA: Es una sinfonía que en lugar de basarse en una estructura formal, se desarrolla en torno a la descripción de un programa o argumento, generalmente de carácter literario. El creador de este género es el compositor francés H. Berlioz con su obra "Episodios de la vida de un artista. Sinfonía fantástica", en la que narra su amor no correspondido hacia una actriz inglesa a la que convierte en música. La sinfonía programática es una obra de larga duración (varios movimientos) y normalmente el autor introduce el texto al principio de la obra que sirve de guía de la misma.
EL POEMA SINFÓNICO: Es una composición en un sólo movimiento basada en elementos poéticos o descriptivos. El creador de este género es F. Liszt que en su obra "Preludios" describe unos poemas de Lamartine titulados "Meditaciones poéticas". Este nuevo género de música será cultivado por compositores románticos y en especial nacionalistas, entre los que destacamos a Mussorgsky, N. Rimsky-Korsakov, R.Strauss, C. Saint-Säens o P. Dukas.
domingo 22 de mayo de 2011
EL ROMANTICISMO (La opera Romantica)
Durante el Romanticismo la ópera experimenta una gran evolución que lleva a este género a su cumbre más alta y lo convierte en el espectáculo preferido de la burguesía. Se construyen teatros por toda Europa y los cantantes se convierten en verdaderos divos (dioses) gracias al lucimiento vocal de sus arias.
Vamos a ver el desarrollo operístico en los países más importantes:
En Italia, cuna de la ópera, es donde surgen las principales escuelas que marcarán el desarrollo del género operístico en el resto de Europa. Podemos destacar dos corrientes de este género que se van a dar a lo largo del Romanticismo:
* BEL CANTO: Esta ópera tiene como objetivo la exhibición del cantante mediante pasajes melódicos de gran exigencia técnica que se desarrollaban en el registro agudo de la voz. Los cantantes, sobretodo en sus arias, desarrollaban un gran virtuosismo vocal ligado a una gran expresividad.
Dentro de la ópera belcantista podemos destacar algunos compositores como G. Donizetti con "El elixir del amor" y V. Bellini con "Norma". Estos dos compositores fueron los máximos representantes del estilo belcantista. Otro personaje destacado fue G. Rossini con "EL barbero de Sevilla" que fue la ópera más representada en todo el siglo XIX y que trata sobre un tema típico español. No podemos olvidar a G Verdi, que se convertirá, junto con el alemán R. Wagner, en el mejor operista del Romanticismo. Algunas de sus obras destacables son "Nabucco", "Rigoletto", "La Traviata", "Aida" o "El trovador".
* VERISMO: Surge a finales del siglo XIX muy unido a las corrientes del realismo y naturalismo literario. Los argumentos de la ópera se centrarán en personajes de la vida cotidiana, reflejando sus emociones de forma realista sin idealizaciones románticas.
Los máximos representantes de este tipo de ópera son P. Mascagni con "Caballería rusticana" y G. Puccini con óperas como "Tosca", " La Boheme" o "Madame Butterfly".
París se convirtió en el siglo XIX en una importante capital de la actividad operística europea. En Francia también existen dos estilos de ópera:
LA GRAN ÓPERA: Caracterizada por sus grandes montajes escenográficos, profusión de ballets, grandes coros y escenas multitudinarias. Entre los autores más destacados de este género podemos nombrar a G. Meyerbeer con "Los Hugonotes" o G. Bizet con "Carmen" basado en un tema español en la que el autor utiliza danzas y temas populares.
LA OPERETA: Estilo de ópera en la que se intercalan fragmentos cantados con otros hablados y normalmente sus argumentos son de carácter humorístico. Destacan compositores como J. Offenbach con "La bella Helena" y "Los cuentos de Hoffmann"
Durante la primera mitad del siglo XIX se desarrolló en Alemania una ópera inspirada en los ideales expuestos por los poetas y filósofos alemanes. Serán óperas con argumentos legendarios en los que la naturaleza y lo sobrenatural adquieren un papel protagonista. Destaca en esta época la obra de C. M. von Weber, al que podemos considerar el iniciador de la ópera romántica en Alemania. Su obra más conocida es "El cazador furtivo".
Sin embargo, la gran figura de la ópera alemana es Richard Wagner, que en una primera época enlaza con la tradición romántica, pero dará paso después a una gran reforma del género de enorme trascendencia en toda la música posterior. La idea de Wagner es crear un "drama musical" continuo y con ese nombre se conocerán las creaciones operísticas de este autor. Algunas de las características de su drama musical son las siguientes:
La ópera para Wagner es "La obra de arte total", ya que busca la fusión de todas las artes (poesía, música, escenografía, acción,...) que se aglutinan de manera inseparable en sus obras.
Utilización de técnicas como el leitmotiv, que es un motivo musical recurrente para representar personajes, hechos, situaciones,...
Utiliza la melodía infinita, que no se interrumpe, sin un fraseo regular que marque candencias claras, para dotar de mayor dramatismo a su obra.
La música está al servicio de la expresión dramática. La orquesta tiene un papel principal en el desarrollo y explicación de la acción.
Larga duración, ya que muchas de sus obras pueden sobrepasar las cinco horas sin interrupciones.
Algunos de los dramas musicales más importantes de Wagner son "Tristán e Isolda", "Tannhauser" y "El anillo de los Nibelungos" , esta última es una tetralogía, es decir, es un ciclo de cuatro obras juntas.
En España, hasta el siglo XIX hay una gran influencia de la ópera italiana, hasta el punto de que muchos compositores e intérpretes italianos van a presentar sus obras en las cortes y teatros de nuestro país. Pero hacia el segundo cuarto de siglo se intenta revitalizar un género propio que hasta ahora no había tenido gran éxito: La Zarzuela.
Recordemos que la zarzuela española no es una ópera como tal, ya que intercala los fragmentos cantados con los hablados. Los argumentos de este género suelen ser cotidianos y cercanos al público, con notas cómicas abundantes. El lenguaje que se usa es también sencillo y asequible para espectadores sin grandes conocimientos musicales.
A partir de mediados de siglo y en gran parte por motivos económicos, la zarzuela se hace más simple y popular. Se crea así el denominado "Género Chico", que se desarrolla en un sólo acto, reduce el número de personajes y el despliegue de medios. En este género predominan las partes habladas sobre las cantadas. Es por lo tanto una zarzuela más económica que hizo furor entre las clases más populares.
Los autores principales de este género son Federico Chueca con zarzuelas muy conocidas, como "La Gran Vía" y "Agua, azucarillos y aguardiente", Tomás Bretón con "La verbena de la paloma" y Ruperto Chapí con "La Revoltosa" entre sus obras más destacadas.
domingo 15 de mayo de 2011
EL ROMANTICISMO (distintos periodos)
PERIODOS DE LA MÚSICA ROMÁNTICA
En este periodo podemos hablar de tres etapas:
ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830): Beethoven será la figura que sirva como puente entre las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.
ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores como Listz (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).
ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Destacan compositores de la talla de Brahms. Aparecen las nuevas corrientes: Post-romanticismo y Nacionalismo.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la música:
Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de expresión y composición.
Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de Wagner)
Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.
La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar en mayor medida los sentimientos.
La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.
ESCENARIOS ROMÁNTICOS
La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:
CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...
SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran salones no demasiado grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música más demandada en estos escenarios era la de cámara.
MÚSICA EN FAMILIA: En ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos para celebrar fiestas en las que la música era el ingrediente principal. Era, para la gran mayoría de los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por Franz Schubert.
EL GENIO ROMÁNTICO
Muchos de los compositores románticos van a cumplir las siguientes características:
Tienen como modelo de creación a Beethoven; sobretodo los músicos de la primera época.
La música para ellos es un medio de liberación del alma, en un mundo materialista y cada vez más consumista.
Son "genios" creadores, verdaderos artistas. Los intérpretes simplemente llevan a cabo una ejecución mediante un ejercicio mecánico. Sin embargo, el compositor es quien crea, quien hace música de la nada.
Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aislan y sufren continuamente enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban arruinados.
Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en ocasiones a sufrir penurias.
Crean música para la eternidad, ya que aún sabiendo que durante su vida la gente no va a comprender sus obras no cesan en el intento, pensando que el día de mañana (seguramente cuando hayan muerto) alguien se dará cuenta de su talento.
Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.
En este periodo podemos hablar de tres etapas:
ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se extiende por toda Europa. París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del virtuosismo instrumental con autores como Listz (piano) o Paganini (violín). Se asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).
ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi, escriben sus mejores obras. Destacan compositores de la talla de Brahms. Aparecen las nuevas corrientes: Post-romanticismo y Nacionalismo.
Durante este periodo podemos destacar las siguientes novedades en el ámbito de la música:
Independencia del autor, cada vez menos sujeto a las normas de los mecenas y más relacionado con los editores de partituras, lo que le permite mayor libertad de expresión y composición.
Aparición de nuevos géneros, como el lied, los poemas sinfónicos o el drama musical (ópera de Wagner)
Búsqueda de la expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo en el oyente.
La melodía ocupará un lugar privilegiado dentro de la obra. Dichas melodías ya no serán tan regulares como en el Clasicismo y estarán cargadas de contratiempos y síncopas, ritardandos y cambios de dinámica,...; todo ello con la finalidad de expresar en mayor medida los sentimientos.
La armonía, al igual que la melodía apoyará la expresividad de la música y para ello usará frecuentes cambios de tonalidad y cromatismos.
La vida musical europea vivió, en esta época, un periodo de gran intensidad en torno a ciudades como París, Viena, Londres,... Existía una producción musical muy variada que se valía de escenarios muy distintos:
CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad del Estado o de empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...
SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos empresarios burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran salones no demasiado grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos pocos privilegiados. La música más demandada en estos escenarios era la de cámara.
EL GENIO ROMÁNTICO
Muchos de los compositores románticos van a cumplir las siguientes características:
Tienen como modelo de creación a Beethoven; sobretodo los músicos de la primera época.
Son "genios" creadores, verdaderos artistas. Los intérpretes simplemente llevan a cabo una ejecución mediante un ejercicio mecánico. Sin embargo, el compositor es quien crea, quien hace música de la nada.
Muchas veces, su talento no es comprendido por la sociedad, por lo que se aislan y sufren continuamente enfermedades psicológicas o físicas. Muchos acaban arruinados.
Escriben obras sin encargo, según lo que les dicte su corazón. Esto les llevará en ocasiones a sufrir penurias.
Crean música para la eternidad, ya que aún sabiendo que durante su vida la gente no va a comprender sus obras no cesan en el intento, pensando que el día de mañana (seguramente cuando hayan muerto) alguien se dará cuenta de su talento.
Normalmente pertenecen a la clase media ilustrada.
EL ROMANTICISMO
Delimitamos cronológicamente el Romanticismo entre los años 1800 y 1890, aunque hay corrientes que presentan características románticas antes de estas fechas y en algunos países se extenderá hasta bien entrado el siglo XX. Entre el Clasicismo y el Romanticismo no hay una línea divisoria estricta, sino una lenta y poco definida transición que nos permite hablar de continuidad.
En 1815 se celebra el congreso de Viena, que dibuja las nuevas fronteras políticas europeas. La burguesía ha tomado el poder social y sus ideales de libertad quedarán patentes en todos los ámbitos de la sociedad. La revolución industrial se impone en todos los lugares con sus enormes consecuencias económicas, sociales y culturales.
Nos encontramos con una nueva sociedad, surgida de la Revolución Francesa, que exalta la libertad del ser humano por encima de todas las cosas.
El movimiento nacionalista surge en la última época del Romanticismo y con él se refuerza la idea de individualidad. El nacionalismo afectará a todas las artes y muy en especial a la música.
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal del Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de libertad, los artistas se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprenderle. El principio fundamental del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus obras.
Otro concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores que son reconocidos como tales por el resto de la gente.
El Romanticismo es quizá la época más brillante de la historia de la música, ya que por primera vez, este arte adquiere la categoría de lenguaje privilegiado por encima del resto de las artes; la música es capaz de transmitir la verdadera esencia de las cosas.
En el campo de la música también se dejan ver los ideales de libertad de la Revolución Francesa y por ello los compositores van a hacer obras sin encargo y según sus propios gustos, lo que llevará a muchos músicos a la ruina.
El fundamento básico de la música romántica es "la exaltación de las pasiones"; los músicos románticos tratan, con su música, de influir en el ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una atmósfera íntima.
En esta época brillarán numerosos compositores, que seguirán, sobretodo en la primera parte del Romanticismo, el modelo de Beethoven, que será el compositor que sirva de enlace entre el Clasicismo y este nuevo periodo.
En el Romanticismo la música va dirigida al corazón.
sábado 7 de mayo de 2011
CLASICISMO (Compositores destacados)
1756-1791 Austria
Compositor austríaco considerado el más grande genio de la música de todos los tiempos. Con una vida de sólo 35 años fue capaz de cultivar con excelencia todos los géneros, desde la música sacra y coral hasta la ópera, pasando por la sinfonía y la música de cámara, representando junto a Haydn y Beethoven la cúspide del Clasicismo musical.
Su padre, Leopoldo, ejerció una notable influencia en él, como maestro de composición y violín, dedicado en exclusiva a la educación y el sueño precoz de su hijo. Siendo niño, exhibió sus habilidades interpretativas y creativas en Francia, Inglaterra, Holanda, así como en las principales ciudades austríacas y alemanas.
Su enorme catálogo alberga más de 600 obras, que empezó a componer a los 7 años de edad. Otros músicos que ejercieron influencia en Mozart fueron Johann Christian Bach, el padre Martini de Bolonia y Joseph Haydn.
PRINCIPALES OBRAS:
EL CLASICISMO(Compositores destacados)
1743-1805 Italia
Compositor y virtuoso del violonchelo, era hijo de un contrabajista de la capilla palatina de su ciudad natal, Lucca. En su juventud conoció a Gluck y Sammartini, que influirían en su estilo.
Cuando llegó a Madrid no fue bien recibido por los músicos de la corte de Carlos III, pero sí por el hermano del rey, que llegaría a cardenal, aunque luego renunciaría y se retiraría hasta su muerte a Arenas de San Pedro, llevándose consigo al compositor, que pasó muchas penurias económicas y murió en la más absoluta de las miserias.
También compuso encargos que se editaban en París y tocaba el violonchelo en la Real Capilla. Tiene un catálogo de casi quinientas obras, entre sinfonías, conciertos, cuartetos de cuerda, quintetos (muchos de los cuales son para dos violonchelos), obras para guitarra y una zarzuela titulada "La Clementina. Tuvo un papel histórico destacado en la literatura para guitarra, instrumentos para el que compuso obras de cámara originales y transcripciones de obras suyas anteriores.
PRINCIPALES OBRAS:
EL CLASICISMO (Compositores destacados)
1770-1827 Alemania
Nació en Bonn, tuvo una infancia problemática. Su padre era cantante de capilla del Elector de Bonn, adicto al alcohol y violento, que al descubrir el talento musical de su hijo, le puso bajo un estricto régimen de estudios de piano. Más tarde sufriría la pérdida de su madre. En Viena conoce a Mozart, que no se entusiasma mucho con el joven talento de Beethoven. Posteriormente conoce a Haydn, quien lo invitó a estudiar con él en Viena, donde acude en 1792 para instalarse definitivamente.
Pero el genio indomable y rebelde de Beethoven busca nuevos horizontes y pasiones de creación musical, por lo que acude a nuevos profesores y nobles que lo apoyen. En 1801 comienzan los primeros síntomas de sordera, a los que seguirán problemas psicológicos, por lo que en 1812 redacta el conocido como Testamento de Heiligenstadt, casi al borde del suicidio.
De espíritu perfeccionista, hizo múltiples correcciones de sus manuscritos, por lo que su catálogo de obras no es tan abundante como cabría esperar. Su estilo sinfónico influiría en las siguiente generaciones de compositores y se proyecta hasta bien entrado el siglo XX.
PRINCIPALES OBRAS:
martes 3 de mayo de 2011
EL CLASICISMO
INTRODUCCIÓN
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.
CONTEXTO HISTÓRICO:
Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.
CONTEXTO CULTURAL:
El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa.
Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
CONTEXTO MUSICAL:
La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.
CARACTERÍSTICAS MUSICALES
Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión. Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo, que quedan plasmados en una nueva forma de componer.
La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:
MELODÍA: Las melodías de Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una frase bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción, cada frase puede dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los compositores buscan concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico
ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra.
LA MÚSICA RELIGIOSA
Como ya adelantamos en el contexto musical La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
LA ÓPERA SERIA
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.
En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".
En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:
Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.
Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.
LA ÓPERA BUFA
Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo a la llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la Serva Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.
El Clasicismo es un periodo que se enmarca entre el Barroco y el Romanticismo. Suele fecharse convencionalmente entre 1750 (muerte de J.S.Bach) y 1827 (año en el que muere Beethoven). Es una etapa corta que marca la transición de la Edad Moderna a La Edad Contemporánea.
Es la época de la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico, lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de "Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los contextos, también al de la música.
El Clasicismo es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa.
Los artistas, encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
La música irá abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
En este periodo se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
Entre los precursores de la música de este periodo podemos nombrar a dos de los hijos de Bach: C.P.E. Bach y J.C. Bach, pero los tres compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada la ciudad más importante dentro del contexto musical.
Los compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de comprensión. Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo, que quedan plasmados en una nueva forma de componer.
La música de esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos aspectos:
MELODÍA: Las melodías de Barroco adoptaban estructuras irregulares. Por el contrario, en el Clasicismo se ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una frase bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el principio de proporción, cada frase puede dividirse en partes de igual duración respetando la simetría. Los compositores buscan concentrar todo el interés en la melodía principal. Las otras voces tienen un papel de acompañamiento, de soporte armónico
ARMONÍA: En el Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el Barroco tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante) organizan toda la obra.
Como ya adelantamos en el contexto musical La música religiosa va a estar en declive en esta época, ya que tanto la música instrumental como la ópera se van a convertir en géneros mucho más solicitados por el público en general.
En el terreno de la música religiosa, no cabe señalar grandes cambios musicales respecto a la época anterior. Se seguirán creando prácticamente los mismos géneros, dentro de los cuales destacará la misa. Un tipo de misa especial que va a adquirir gran importancia en este periodo es el Réquiem.
El Réquiem es la música compuesta para la misa de los difuntos de la Iglesia católica. Dicha música es ligeramente distinta de la de otras misas, ya que se prescinde de las partes consideradas demasiado alegres para una ocasión de duelo.
Dentro de este tipo de género, podemos destacar "El Réquiem de Mozart", obra maestra de la música clásica. Según cuenta la leyenda, esta obra le fue encargada a Mozart por un desconocido. El compositor, que entonces ya estaba gravemente enfermo, creyó que se trataba de un encargo del más allá para su propio funeral y murió componiendo la séptima parte de la obra que lleva por título Lacrimosa. Esta parte termina con la palabra Amen, palabra que se utilizaba al final de la misa, algo extraño teniendo en cuenta que a Mozart aún le quedaba la mitad del réquiem por componer. La obra sería completada , siguiendo las instrucciones que el compositor dejó escritas, por su alumno Süsmayr.
El clasicismo fue uno de los periodos históricos más importantes para el género operístico. Este género, nacido en el Barroco dentro de los círculos aristocráticos, experimentará durante el Clasicismo un cambio, ya que se eliminarán los excesos barrocos y se tenderá a la naturalidad y acercamiento del argumento al público.
Los teatros se multiplicaron, el público aumentó en gran medida y los compositores encontraron en la ópera una de sus formas favoritas de expresión.
A mediados del siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran demasiado sofisticados y difíciles de entender, los cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de las arias,... Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con este tipo de ópera.
En 1752 se produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento se le conoce como "La querella de los bufones".
En una lado estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial. Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la nueva ópera que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al frente de este grupo estaba Rouseau y algunos otros enciclopedistas.
En este contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera "Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que la ópera seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:
Utilizar música sencilla, dejando de lado la complejidad a la que había llegado la ópera seria.
Evitar los contrastes entre recitativo y aria haciendo las arias más simples y los recitativos más expresivos.
El argumento debe ser más sencillo y verosímil, desechando los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
La música debe estar siempre al servicio del libreto y de los personajes.
Bajo estos parámetros se va a componer la mayor parte de la ópera seria en Europa.
Es en esta época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo a la llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos cómicos entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se fueron desarrollando y acabaron independizándose, dando lugar a un género nuevo llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del público, que tomará el modelo de la Serva Padrona de Pergolesi y alcanzará su máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas particularidades:
Los argumentos recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones sentimental.
Utilizan el idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes habladas.
Los dúos y los conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria. Esto no es extraño si tenemos en cuenta que su principal misión era la de entretener al público, cada vez más amplio y sin conocimientos musicales. Mozart, que como hemos dicho será uno de los principales compositores de este género, escribirá óperas bufas tanto en italiano (Las bodas de Fígaro) como en Alemán (La flauta Mágica). La ópera bufa italiana llegó a toda Europa. En Alemania se denominó Singpiel y en Francia se llamó Ópera Cómique.
domingo 1 de mayo de 2011
COMPOSITORES DESTACADOS
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
• BACH, Johann Sebastian
• CORELLI, Arcangelo
• FRESCOBALDI, Girolamo
• HAENDEL, Georg F.
• LULLY, Jean-Baptiste
• MONTEVERDI, Claudio
• PERGOLESI, Giovanni Battista
• PURCELL, Henry
• SCARLATTI, Alessandro y Domenico
• VIVALDI, Antonio
JOHANN SEBASTIAN BACH
(1685-1750) Alemania
Uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos, la obra de Bach es enorme y abarca gran cantidad de géneros, aunque siempre reverente con la fe que lo inspiraba. Descendiente y progenitor de una amplia familia de músicos, compuso en un estilo algo pasado de moda para su época, pero con una maestría y un lenguaje complejo a la vez que accesible. Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del que lo rescataría casi un siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue conocido en su época como virtuoso organista e improvisador, aunque hoy su figura trascienda como creador. Desde niño demostró un interés y talento espectacular para la música, una pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para oír y conocer las obras que allí se interpretaban. Fue organista en Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
PRINCIPALES OBRAS:
• Seis conciertos de Brandenburgo - 1721
• El clave bien temperado (libro I) - 1722
• Pasión según San Mateo - 1729
• Misa en si menor - 1733 a 1738
• Oratorio de Navidad - 1734
• Variaciones Goldberg - 1742
• El clave bien temperado (libro II) - 1744
ARCANGELO CORELLI
1653-1713 Italia
Compositor y violinista italiano que contribuyó a la cristalización del Concerto Grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas,...), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores posteriores para este instrumento. Era hijo de una acaudalada familia de terratenientes. Estudió en Bolonia donde tomó lecciones de violín de uno de los discípulos de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente en Roma, salvo dos viajes que realizó a Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado papa como Alejandro VIII) En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre otros. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además de doce para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn batían récords de publicación y reedición.
PRINCIPALES OBRAS:
• Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681
• Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685
•Once sonatas en trío Op. 3 - 1689
• Doce sonatas solistas Op 5 - 1700
• Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713
GIROLAMO FRESCOBALDI
1583-1643 Italia
Compositor y organista italiano, creador de escuela en su instrumento y en la música vocal del primer barroco. Tenía una inmensa fama, reconocida por los críticos y tratadistas de la época, y muchos años después (hasta entrado el siglo XIX) su música seguía utilizándose como ejemplo en la enseñanza musical. Poco se sabe de su infancia; hay autores que afirman que su padre era también organista. Ferrara era entonces uno de los centros más progresistas de Europa y su duque Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se concentró además en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes mecenas como Bentivoglio, el cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los Medici. Así mismo, desempeñó una importante labor de organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órgano. PRINCIPALES OBRAS:
• Tre canzoni - 1607
• Madrigales - 1608
• Toccate - 1614
• Ricercari y canzone - 1615
• Capricci - 1624
• Segundo libro de Toccate - 1626
• Canzone - 1628
• Dos libros de Arie musicali - 1630
• Canzone instrumentales - 1635
GEORGE F. HAENDEL
1685-1759 Alemania-Inglaterra
Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En su familia no había músicos, pero el talento de Haendel de niño hizo que estudiara con Zachow, con quien se convirtió en organista e intérprete de clave, además de dominar el violín y el oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y conoce importantes compositores. Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más tarde cae en el olvido, del que renace al cumplir los cincuenta años, cambiando su género favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la ceguera le impediría seguir componiendo, aunque no interpretando música en el órgano. Fue un compositor muy prolífico, que en comparación con J.S.Bach ponía más el acento en la melodía que en el contrapunto. Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo maduro, inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio inglés. PRINCIPALES OBRAS:
• Almira (ópera) - 1704
• La resurrección (oratorio) - 1708
• Rinaldo (ópera) - 1710
• Música acuática (orquesta) - 1717
• Radamisto (ópera) - 1720
• Julio César (ópera) - 1724
• Orlando (ópera) - 1733
• Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
• Saúl (oratorio) - 1739
• El Mesías (oratorio) - 1741
• Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749
JEAN-BAPTISTE LULLY
1632-1687 Italia-Francia
Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista Lulli). De cuna humilde, consiguió llamar la atención del caballero de Guise, que lo lleva a París, donde serviría al rey Luis XIV, que pone a su disposición una orquesta de violines donde crece su fama como violinista, como compositor y director. Fue el encargado de componer muchos ballets de corte, a los que el rey era muy aficionado. También destaca su colaboración con Molière en la música de varias representaciones. Otro colaborador habitual suyo fue Quinault, que escribió la mayoría de los libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando a ser secretario real. Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que sustituye por otro más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la prosodia natural de las palabras musicales. Fue uno de los creadores de la obertura francesa y ejerció una gran influencia sobre otros contemporáneos como Purcell. PRINCIPALES OBRAS:
• Ballet de las estaciones - 1661
• Ballet de las artes - 1663
• Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664
• Ballet de las musas - 1666 • Ballet Flora - 1669
• Música para "El burgués gentilhombre" - 1670
• Alceste (ópera) - 1674
• Proserpina (ópera) - 1680
• Faetón (ópera) - 1683
CLAUDIO MONTEVERDI
1567-1643 Italia
Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música aplicando medios tradicionales con nuevos fines. Considerado uno de los padres del género operístico, fue el responsable de los drásticos cambios que tendrían lugar en la música a partir de 1600. Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que sus madrigales, motetes y música sacra en general son más tradicionalistas. Su invención más importante es el denominado "Stile Concitato", es decir, la reproducción realista de batallas y otros escenarios afectivos, que tendría influencia sobre Merulo en Italia y Schütz en Alemania. Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su reputación había quedado bien establecida, cuando comienzan a aparecer críticas a su estilo, que pone a la música al servicio de las palabras.
PRINCIPALES OBRAS:
• Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582
• Segundo libro de madrigales - 1590
• Orfeo (ópera) - 1607
• Arianna (ópera perdida) - 1608
• Tirsi e Clori (ballet) - 1616
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624
• Mercutio y Marte - 1627
• La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627
• Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632
• La coronación de Popea (ópera) - 1642
GIOVANNI BATTISTA PERGOLESI
1710-1736 Italia
A pesar de la brevedad de su vida, este compositor italiano tuvo una gran influencia sobre los posteriores compositores galantes y clasicistas, especialmente en Mozart. Aunque trabajó tanto la ópera seria como la cómica , es en este último subgénero donde destaca su genio, especialmente en el intermedio "La serva padrona", cuya representación póstuma en París desencadenó la llamada Guerra de los Bufones, entre los que defendían y se oponían a la italianización de la ópera. Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de Pergola, adoptando más tarde el apellido Pergolesi. Tenía una malformación física en la pierna y era de salud endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se traslada a Nápoles, donde aprende música con de Matteis, Greco y Durante, que lo nombra ayudante de maestro. Contó con la protección del príncipe de Stigliano y los duques Caracciolo.
PRINCIPALES OBRAS:
• Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731
• Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
• La serva padrona (intermedio) - 1733
• Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
• L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
• Stabat Mater - 1749
• Livietta e Tracollo - 1753
• Misa en fa mayor - 1805
• Salve Regina - 1845
HENRY PURCELL
1659-1695 Inglaterra
Compositor y organista inglés, iniciador de una tradición musical insular. Era hijo de un músico de la Capilla Real y maestro de coros de la Abadía de Westminster, por lo que desde niño aprendió los fundamentos de la música, trabajando luego al servicio del obispo y del rey. Con once años, se le atribuye la composición de una oda en honor de Carlos II. A partir de 1673 trabaja con Hingeston en la restauración y conservación de instrumentos reales y como copista. En 1679 sucede a su maestro Blow como organista, conservando este puesto hasta su muerte. Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros innovadores, componiendo músicas para acompañar representaciones teatrales, aunque sin abordar directamente la ópera hasta "Dido and Aeneas" 1689. También compuso música instrumental, religiosa y canciones.
PRINCIPALES OBRAS:
• In nomine (4 pavanas a tres voces) - 1680
• Primera Oda a Santa Cecilia - 1683
• Dido and Aeneas (ópera) - 1689
• Distressed Innocence (música para teatro) - 1690
• King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) - 1691
• Música fúnebre para la reina María II - 1692
• The Double Dealer (para teatro) 1693
• Te Deum e Jubilate - 1694
• The Indian Queen (para teatro) - 1695
ALESSANDRO Y DOMENICO SCARLATTI
1660-1725 y 1685-1757 Italia
Familia de compositores (padre Alessandro, hijo Domenico) italianos de óperas, música vocal sacra y profana, así como de obras instrumentales. El padre llegó a ser uno de los más renombrados compositores napolitanos de su época, mientras que el hijo fue un prolífico autor de 555 sonatas para clave que innovarían la armonía del siglo XVIII con aportes de ritmos de baile italianos, portugueses y españoles. Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el fundador de la escuela napolitana de ópera del siglo XVIII, así como el inventor del aria da capo, la obertura italiana y el recitativo acompañado. Domenico fue maestro de capilla de San Pedro, compositor de música sagrada para la capilla pontificia, autor de óperas para la reina de Polonia, habiendo residido en Londres, Lisboa y Madrid, siendo considerado como uno de los precursores de la sonata clásica.
PRINCIPALES OBRAS:
Alessandro Scarlatti
• Gli equivoci nel sembiante (ópera) - 1679
• La Rosaura (ópera) - 1690
• Il Pirro e Demetrio (ópera) - 1694
• La caduta dei Decemviri (ópera) - 1697
• Il trionfo della libertà (ópera) - 1707
• Il trionfo dell'onore (ópera) - 1718
• La Griselda (ópera) - 1721
Domenico Scarlatti
• Esercizi per gravicembalo - 1738
• Sonata K175 en la menor - 1752
• Sonata K513 en do mayor - 1756
ANTONIO VIVALDI
1678-1741 Italia
Compositor y violinista italiano. Hijo de un violinista consagrado de la capilla de San Marcos en Venecia, da sus primeros pasos musicales con Legrenzi. Una vez ordenado sacerdote, es nombrado maestro de violín del Orfanato de la Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en uno de los mejores conjuntos instrumentales de la época, dirigidos por el petre rosso (el cura rojo), nombre con el que se conocía a Vivaldi por el color de su pelo. Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que destacan varios ciclos de conciertos con violines solistas, pero además compuso para otros instrumentos conciertos y música de cámara, además de óperas. Su estilo de forma clara, impulso rítmico y flujo de ideas musicales influyó en el lenguaje concertístico de J.S. Bach y otros compositores posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477 conciertos de los que se conservan 443.
OBRAS IMPORTANTES:
• L'estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo continuo) - 1712
• La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)- 1713
• La veritá in cimento (ópera) - 1720
• Concierto para flauta nº 2 en sol menor - 1724
• Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro estaciones) - 1725
• Orlando (ópera) - 1727 • La cetra (doce conciertos para violín ,arcos y bajo continuo) - 1728
• L'Olimpiade (ópera) - 1734
• Il pastor fido (sonatas para flauta) - 1737
• Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 - 1740
A continuación se exponen las vidas y obras de algunos de los compositores más destacados de esta etapa.
• BACH, Johann Sebastian
• CORELLI, Arcangelo
• FRESCOBALDI, Girolamo
• HAENDEL, Georg F.
• LULLY, Jean-Baptiste
• MONTEVERDI, Claudio
• PERGOLESI, Giovanni Battista
• PURCELL, Henry
• SCARLATTI, Alessandro y Domenico
• VIVALDI, Antonio
(1685-1750) Alemania
Uno de los mayores genios musicales de todos los tiempos, la obra de Bach es enorme y abarca gran cantidad de géneros, aunque siempre reverente con la fe que lo inspiraba. Descendiente y progenitor de una amplia familia de músicos, compuso en un estilo algo pasado de moda para su época, pero con una maestría y un lenguaje complejo a la vez que accesible. Durante el periodo clásico cayó en una especie de olvido del que lo rescataría casi un siglo más tarde Félix Meldelssohn. Fue conocido en su época como virtuoso organista e improvisador, aunque hoy su figura trascienda como creador. Desde niño demostró un interés y talento espectacular para la música, una pasión que le hizo ir a pie a Hamburgo para oír y conocer las obras que allí se interpretaban. Fue organista en Weimar y Maestro de Capilla en Leipzig.
PRINCIPALES OBRAS:
• Seis conciertos de Brandenburgo - 1721
• El clave bien temperado (libro I) - 1722
• Pasión según San Mateo - 1729
• Misa en si menor - 1733 a 1738
• Oratorio de Navidad - 1734
• Variaciones Goldberg - 1742
• El clave bien temperado (libro II) - 1744
1653-1713 Italia
Compositor y violinista italiano que contribuyó a la cristalización del Concerto Grosso. Autor de numerosas obras instrumentales (Concierto de Navidad, La Follia, sonatas,...), padre de la sonata para violín e inspirador de un grupo de compositores posteriores para este instrumento. Era hijo de una acaudalada familia de terratenientes. Estudió en Bolonia donde tomó lecciones de violín de uno de los discípulos de Ercola Gaibara. Desarrolló su actividad principalmente en Roma, salvo dos viajes que realizó a Alemania, donde fue director musical y compositor de cámara del cardenal Ottoboni (que luego sería nombrado papa como Alejandro VIII) En la sonata antigua fue un continuador de la obra de Legrenzi y Vitali, entre otros. Compuso 48 sonatas en trío (para dos violines y un bajo continuo), además de doce para violín y continuo, que hasta la llegada de Haydn batían récords de publicación y reedición.
PRINCIPALES OBRAS:
• Doce sonatas en trío Op. 1 - 1681
• Once sonatas de cámara en trío y una chacona Op. 2 - 1685
•Once sonatas en trío Op. 3 - 1689
• Doce sonatas solistas Op 5 - 1700
• Doce Concerti Grossi Op. 6 - 1713
1583-1643 Italia
Compositor y organista italiano, creador de escuela en su instrumento y en la música vocal del primer barroco. Tenía una inmensa fama, reconocida por los críticos y tratadistas de la época, y muchos años después (hasta entrado el siglo XIX) su música seguía utilizándose como ejemplo en la enseñanza musical. Poco se sabe de su infancia; hay autores que afirman que su padre era también organista. Ferrara era entonces uno de los centros más progresistas de Europa y su duque Alfonso II d'Este, un gran melómano. Seguidor de las innovaciones de Gesualdo y Monteverdi en el campo del madrigal, Frescobaldi se concentró además en el órgano, trabajando a las órdenes de importantes mecenas como Bentivoglio, el cardenal Aldobrandini y, en Florencia, para los Medici. Así mismo, desempeñó una importante labor de organista en la Accademia della Morte de Ferrara, en Santa María de Trastevere y en San Pedro de Roma. Compuso obras vocales y piezas instrumentales para órgano. PRINCIPALES OBRAS:
• Tre canzoni - 1607
• Madrigales - 1608
• Toccate - 1614
• Ricercari y canzone - 1615
• Capricci - 1624
• Segundo libro de Toccate - 1626
• Canzone - 1628
• Dos libros de Arie musicali - 1630
• Canzone instrumentales - 1635
1685-1759 Alemania-Inglaterra
Compositor alemán nacionalizado inglés a los 42 años. En su familia no había músicos, pero el talento de Haendel de niño hizo que estudiara con Zachow, con quien se convirtió en organista e intérprete de clave, además de dominar el violín y el oboe. Emprende varios viajes por toda Europa y conoce importantes compositores. Hacia 1715 su fama es enorme, pero quince años más tarde cae en el olvido, del que renace al cumplir los cincuenta años, cambiando su género favorito de la ópera al oratorio. Más tarde, la ceguera le impediría seguir componiendo, aunque no interpretando música en el órgano. Fue un compositor muy prolífico, que en comparación con J.S.Bach ponía más el acento en la melodía que en el contrapunto. Fue un maestro del contraste, especialmente en música coral. Su estilo maduro, inclinado al oratorio, ha servido de modelo al subgénero del oratorio inglés. PRINCIPALES OBRAS:
• Almira (ópera) - 1704
• La resurrección (oratorio) - 1708
• Rinaldo (ópera) - 1710
• Música acuática (orquesta) - 1717
• Radamisto (ópera) - 1720
• Julio César (ópera) - 1724
• Orlando (ópera) - 1733
• Seis Concerti Grossi Op. 3 - 1734
• Saúl (oratorio) - 1739
• El Mesías (oratorio) - 1741
• Música para los reales fuegos artificiales (orquesta) - 1749
1632-1687 Italia-Francia
Compositor francés de origen italiano (Giovanni Batista Lulli). De cuna humilde, consiguió llamar la atención del caballero de Guise, que lo lleva a París, donde serviría al rey Luis XIV, que pone a su disposición una orquesta de violines donde crece su fama como violinista, como compositor y director. Fue el encargado de componer muchos ballets de corte, a los que el rey era muy aficionado. También destaca su colaboración con Molière en la música de varias representaciones. Otro colaborador habitual suyo fue Quinault, que escribió la mayoría de los libretos de sus óperas. Consiguió fortuna y poder, llegando a ser secretario real. Su estilo operístico aboga por el abandono del recitativo secco, que sustituye por otro más elaborado en su acompañamiento. Respetaba mucho la prosodia natural de las palabras musicales. Fue uno de los creadores de la obertura francesa y ejerció una gran influencia sobre otros contemporáneos como Purcell. PRINCIPALES OBRAS:
• Ballet de las estaciones - 1661
• Ballet de las artes - 1663
• Música para "El marido forzado" (de Molière) - 1664
• Ballet de las musas - 1666 • Ballet Flora - 1669
• Música para "El burgués gentilhombre" - 1670
• Alceste (ópera) - 1674
• Proserpina (ópera) - 1680
• Faetón (ópera) - 1683
1567-1643 Italia
Compositor italiano que revolucionó el mundo de la música aplicando medios tradicionales con nuevos fines. Considerado uno de los padres del género operístico, fue el responsable de los drásticos cambios que tendrían lugar en la música a partir de 1600. Sus primeras óperas están llenas de artificios, mientras que sus madrigales, motetes y música sacra en general son más tradicionalistas. Su invención más importante es el denominado "Stile Concitato", es decir, la reproducción realista de batallas y otros escenarios afectivos, que tendría influencia sobre Merulo en Italia y Schütz en Alemania. Fue un maestro en el uso de las emociones humanas en música. De su Cremona natal trascendió primero a la corte de Mantua y luego a la capilla de San Marcos en Venecia. Hacia el año 1600 su reputación había quedado bien establecida, cuando comienzan a aparecer críticas a su estilo, que pone a la música al servicio de las palabras.
• Sacrae Cantiunculae (motetes) - 1582
• Segundo libro de madrigales - 1590
• Orfeo (ópera) - 1607
• Arianna (ópera perdida) - 1608
• Tirsi e Clori (ballet) - 1616
• Il Combattimento di Tancredi e Clorinda (diálogo dramático) - 1624
• Mercutio y Marte - 1627
• La finta pazza licori (ópera perdida) - 1627
• Scherzi Musicali (piezas para una o dos voces) - 1632
• La coronación de Popea (ópera) - 1642
1710-1736 Italia
A pesar de la brevedad de su vida, este compositor italiano tuvo una gran influencia sobre los posteriores compositores galantes y clasicistas, especialmente en Mozart. Aunque trabajó tanto la ópera seria como la cómica , es en este último subgénero donde destaca su genio, especialmente en el intermedio "La serva padrona", cuya representación póstuma en París desencadenó la llamada Guerra de los Bufones, entre los que defendían y se oponían a la italianización de la ópera. Su familia se apellidaba Draghi y provenían de la zona de Pergola, adoptando más tarde el apellido Pergolesi. Tenía una malformación física en la pierna y era de salud endeble. Después de estudios iniciales en Jesi, se traslada a Nápoles, donde aprende música con de Matteis, Greco y Durante, que lo nombra ayudante de maestro. Contó con la protección del príncipe de Stigliano y los duques Caracciolo.
PRINCIPALES OBRAS:
• Questo è il pianto e questo è il riso (cantata) - 1731
• Lo frate 'nnamorato (comedia) - 1732
• La serva padrona (intermedio) - 1733
• Adriano in Siria (ópera con libreto de Metastasio) - 1734
• L'Olinpiade (ópera con libreto de Metastasio) - 1735
• Stabat Mater - 1749
• Livietta e Tracollo - 1753
• Misa en fa mayor - 1805
• Salve Regina - 1845
1659-1695 Inglaterra
Compositor y organista inglés, iniciador de una tradición musical insular. Era hijo de un músico de la Capilla Real y maestro de coros de la Abadía de Westminster, por lo que desde niño aprendió los fundamentos de la música, trabajando luego al servicio del obispo y del rey. Con once años, se le atribuye la composición de una oda en honor de Carlos II. A partir de 1673 trabaja con Hingeston en la restauración y conservación de instrumentos reales y como copista. En 1679 sucede a su maestro Blow como organista, conservando este puesto hasta su muerte. Sus primeras obras combinan elementos tradicionales con otros innovadores, componiendo músicas para acompañar representaciones teatrales, aunque sin abordar directamente la ópera hasta "Dido and Aeneas" 1689. También compuso música instrumental, religiosa y canciones.
PRINCIPALES OBRAS:
• In nomine (4 pavanas a tres voces) - 1680
• Primera Oda a Santa Cecilia - 1683
• Dido and Aeneas (ópera) - 1689
• Distressed Innocence (música para teatro) - 1690
• King Arthur, or the British Worthy (música para teatro) - 1691
• Música fúnebre para la reina María II - 1692
• The Double Dealer (para teatro) 1693
• Te Deum e Jubilate - 1694
• The Indian Queen (para teatro) - 1695
1660-1725 y 1685-1757 Italia
Familia de compositores (padre Alessandro, hijo Domenico) italianos de óperas, música vocal sacra y profana, así como de obras instrumentales. El padre llegó a ser uno de los más renombrados compositores napolitanos de su época, mientras que el hijo fue un prolífico autor de 555 sonatas para clave que innovarían la armonía del siglo XVIII con aportes de ritmos de baile italianos, portugueses y españoles. Del padre se ha sostenido, a veces exageradamente, que es el fundador de la escuela napolitana de ópera del siglo XVIII, así como el inventor del aria da capo, la obertura italiana y el recitativo acompañado. Domenico fue maestro de capilla de San Pedro, compositor de música sagrada para la capilla pontificia, autor de óperas para la reina de Polonia, habiendo residido en Londres, Lisboa y Madrid, siendo considerado como uno de los precursores de la sonata clásica.
PRINCIPALES OBRAS:
Alessandro Scarlatti
• La Rosaura (ópera) - 1690
• Il Pirro e Demetrio (ópera) - 1694
• La caduta dei Decemviri (ópera) - 1697
• Il trionfo della libertà (ópera) - 1707
• Il trionfo dell'onore (ópera) - 1718
• La Griselda (ópera) - 1721
Domenico Scarlatti
• Esercizi per gravicembalo - 1738
• Sonata K175 en la menor - 1752
• Sonata K513 en do mayor - 1756
1678-1741 Italia
Compositor y violinista italiano. Hijo de un violinista consagrado de la capilla de San Marcos en Venecia, da sus primeros pasos musicales con Legrenzi. Una vez ordenado sacerdote, es nombrado maestro de violín del Orfanato de la Piedad, cuya orquesta de señoritas se convierte en uno de los mejores conjuntos instrumentales de la época, dirigidos por el petre rosso (el cura rojo), nombre con el que se conocía a Vivaldi por el color de su pelo. Se le conoce principalmente por sus obras instrumentales, entre las que destacan varios ciclos de conciertos con violines solistas, pero además compuso para otros instrumentos conciertos y música de cámara, además de óperas. Su estilo de forma clara, impulso rítmico y flujo de ideas musicales influyó en el lenguaje concertístico de J.S. Bach y otros compositores posteriores. Compuso unas 770 obras, entre ellas destacan 46 óperas y 477 conciertos de los que se conservan 443.
OBRAS IMPORTANTES:
• L'estro armónico (doce conciertos para 1-4 violines, arcos y bajo continuo) - 1712
• La Stravaganza (doce conciertos para violín, arcos y bajo continuo)- 1713
• La veritá in cimento (ópera) - 1720
• Concierto para flauta nº 2 en sol menor - 1724
• Il cimento dell' armonia e dell' invenzione (incluye las cuatro estaciones) - 1725
• Orlando (ópera) - 1727 • La cetra (doce conciertos para violín ,arcos y bajo continuo) - 1728
• L'Olimpiade (ópera) - 1734
• Il pastor fido (sonatas para flauta) - 1737
• Seis sonatas para violonchelo y bajo Op. 14 - 1740
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